Duas das vozes mais imaginativas do cinema se reuniram no Festival Internacional de Cinema de Busan para uma conversa íntima sobre seus processos criativos, revelando conexões surpreendentes entre seu trabalho, apesar de serem separadas por continentes e culturas.
Guillermo del Toro e Yeon Sang-ho, ambos mestres de misturar o fantástico com histórias profundamente humanas, participaram de uma sessão na Creative Asia Conference da Netflix. A conversa ofereceu informações sobre como os dois diretores se aproximam de seu ofício.
Ambos os cineastas rastrearam suas origens criativas em encontros de infância com monstros e animação japonesa. Falando sobre seus anos de formação, Del Toro disse: “Eu não sou um bom cara ao ar livre. Sou um observador interno, leitor, consumidor da mídia audiovisual, contador de histórias. Você sabe, se não houvesse filmes, eles me jogariam fora de um penhasco para morrer”.
O cineasta mexicano revelou como Tokusatsu japonês moldou sua visão de mundo: “Então assistimos a todas as séries, não apenas Osamu Tezuka, mas assistimos a toda a série Tsuburaya, Ultraman, UltraSeven, Ultra Q. Então eu cresci como um garoto japonês.”
Yeon compartilhou influências semelhantes, explicando: “Na verdade, acho que é certo dizer que me inspiro em tudo na vida. Mas quando eu era jovem, naquela época na Coréia, a animação japonesa estava na TV e não sou um bom esportista”.
A conversa voltou -se para suas abordagens para adaptar o material existente. Em sua adaptação de “Frankenstein”, de Mary Shelley, tocando em Busan, Del Toro detalhou seu relacionamento de décadas com o material de origem: “Vi o filme quando tinha sete anos, li o livro quando tinha 11 anos e, desde então, Mary, Lord, Lordon, que fizesse um ponto para estudar … as vidas dos românticos.
Sua filosofia sobre adaptação é profundamente pessoal: “Você estuda tudo isso durante décadas e décadas e décadas e ela se torna parte de você. E então o que você faz é como você cantar a mesma música com sua própria voz com arranjos diferentes e parece novo porque isso importa para você”.
Yeon, que está adaptando o mangá japonês “The Human Vapor”, expressou surpresa com o profundo conhecimento de Del Toro de obras japonesas obscuras, incluindo o filme de 1960 “The Human Vapor”, demonstrando a polinização transcultural do cinema de gênero.
Elogiando a transição de Yeon da animação para a ação ao vivo, Del Toro chamou de “muito raro que um diretor de animação transmite tão bem para a ação ao vivo”. Ele enfatizou a animação como “uma forma pura de arte”, particularmente stop-motion, que ele continua perseguindo ao lado de seu trabalho de ação ao vivo.
Yeon refletiu sobre os diferentes pontos fortes de cada meio: “A animação e a ação ao vivo têm apelos um pouco diferentes. Na animação, quase todos os estilos de desenho existem. Você pode transmitir algo apenas pela forma da aparência, o que é realmente um grande apelo e, dependendo de que você se mova, a maneira como as emoções é que as emoções são muito amplas, que são muito amplas que se movem. Definitivamente um tipo diferente de poder de entrega disso. ”
Ele continuou: “Como estou fazendo muitas séries de filmes de ação ao vivo agora, tenho um desejo em um canto do meu coração para um dia fazer uma animação lendária como Osamu Tezuka ou funciona como aqueles que eu tanto amava quando era jovem. Quando trabalho em projetos com criaturas, há uma alegria que tive ao fazer animação.
Ambos os diretores compartilharam histórias sobre adotar momentos inesperados durante a produção. Recordando a produção de “trem para Busan”, Yeon compartilhou um exemplo específico: “Originalmente, como fiz animação, tento não desenhar o máximo possível. Mas quando alguma explicação é necessária, eu desenho. O caso mais representativo era quando o cenário não poderia, mas que o cenário não existia, mas a cena não era para a cena, mas a cena não era que a cena não era que a cena não era para a cena, mas a cena não era para a cena, mas a cena não era que a cena não era para a cena, mas a cena não era que a cena não era para a cena, mas a cena não era que a cena não era para a cena, mas que a cena não havia, mas que a cena não havia, mas que a cena não existia. Foi, então passei cerca de um dia desenhando essa cena.
He also shared another production story: “We had a past scene, so we worked quite hard to do the set dressing. We came after setting it up, but the night before, there was an incredibly heavy rain. It rained and all the mud was washed away, and the floor we had set up became completely muddy. At first, we thought we were unlucky and tried to clean it up, but as we tried to clean it, the look itself matched so well with the past. When such accidents happen, the accident isn’t really an Acidente, mas torna o filme realmente especial. ”
Expandindo essa filosofia, Del Toro disse: “À medida que envelhece, você aprende, quando é um jovem diretor, fala muito. Quando é mais velho, ouve muito. E sabe quem está falando o tempo todo? O filme … e se você aprende a ouvir, faz um filme melhor percebendo que o acidente está dizendo que é o que é o que o que quer ser.
Quando perguntado sobre a manutenção de elementos humanos em peças espetaculares, Del Toro enfatizou que “tudo é drama”, independentemente da escala. Ele descreveu o cinema como “poesia com hardware”, explicando como elementos técnicos como movimento e edição da câmera criam impacto emocional.
“O filme é poesia com hardware”, disse ele. “Você tem uma pista de Dolly, você tem uma lente, você tem uma câmera … está usando coisas difíceis para produzir movimento sinfônico.”
Ambos os diretores enfatizaram a natureza colaborativa de seu trabalho. Observando que todos os elementos visuais funcionam juntos, Del Toro disse: “O guarda -roupa é o design do cenário. Design de cenário é cinematografia. A cinematografia é um guarda -roupa. Não há diferença. Você está criando uma única imagem”.
Ele compartilhou conselhos do mestre dos efeitos da maquiagem Dick Smith, citando Laurence Olivier: “Quando você é um ator em uma cena de chuva, deixe a chuva fazer parte da atuação por você”. Essa filosofia se estende a todos os elementos de produção, onde “tudo está agindo”.
A conversa abordou ao lidar com críticas negativas. Yeon ofereceu sua perspectiva: “Na verdade … sinto que tipo de pensamento que os críticos têm sobre certos trabalhos. Sinto isso e, às vezes, pode haver uma lacuna entre essa pessoa e eu. Quando há uma lacuna, tento respeitar e entendê -la o suficiente, mas não tem uma grande influência no meu trabalho.”
Enquanto isso, Del Toro revelou que não lê mais críticas, positivas ou negativas: “Se você acredita nos bons, precisa acreditar nos ruins. E eu não quero”.
Ele enfatizou a profundidade de conexão com a amplitude do público, compartilhando como o “Brasil” de Terry Gilliam o transformou apesar de jogar em um teatro vazio: “Não importa quantas pessoas gostaram ou não. Isso mudou minha vida”.
Dirigindo -se ao cenário atual da indústria, Yeon atraiu paralelos históricos: “Acho que dessa maneira. Desde que fiz animação, aqueles que realmente gostam de animação saberão, mas costumava haver algo chamado Videodeck. Quando o Videodeck começou a emergir, um gênero chamado OVA (Animação de vídeo original) começou a aparecer no Japão.” Ele observou que, embora o streaming ofereça liberação simultânea global, os filmes teatrais têm um tempo diferente entre os países e fornecem diferentes profundidades e métodos de entrega, tornando -os experiências “completamente diferentes”.
Focando o “tamanho das idéias” em vez do tamanho da tela, Del Toro observou que o conteúdo deve funcionar efetivamente nos ambientes domésticos e teatrais.
A sessão foi concluída com conselhos para diretores iniciantes. Oferecendo uma metáfora do casamento, Del Toro disse: “Fazer um filme não é um encontro, é um casamento. Portanto, não se case tão fácil. Casar com pessoas com quem você realmente se importa”.
