A icônica banda dos anos 80 faz um arco

No início deste mês, O repórter de Hollywood Publicou uma análise nítida da análise cultural intitulada “A música e outros filmes de celebridades estão matando o documentário?” Os cineastas e programadores de não-ficção entrevistados para o recurso pesaram sobre a influência dos principais streamers, afastando-se da invenção formal e investigando investigação em relação a documentos autorizados e favoráveis ​​ao artista que funcionam principalmente como marketing, gerenciamento de marcas e serviço de fãs. Alison Ellwood’s Boy George & Culture Club é um exemplo sólido dessa tendência anódina. É sincero, mas raramente revela muito que é fresco, tão infeccioso quanto um dos hits de minhoca da banda da New Wave, mas também tão pesada.

Ainda assim, qualquer pessoa com boas lembranças do auge do Culture Club provavelmente será fisgado a partir do momento em que a gaita entrar nas barras de abertura da “Igreja do Poison Mind”, ainda é um dos Bops mais atraentes dos anos 80, ouvido aqui em uma performance de concerto que mostra os vocais de Backup Powerhouse de Helen Terry.

Essa música é um lembrete bem-vindo de que, enquanto a banda liderou o estilo iconoclástico de Boy George poderia ter saído da nova cena romântica, suas influências musicais fugiram de alma de olhos azuis para reggae, motown, calypso e até uma pitada de país em “Karma Chameleon”.

Mas, embora todos os quatro colegas de banda pesem extensivamente em entrevistas atuais separadas, o médico é decepcionantemente curto em como a música se uniu. Como o filme teria, George escreveu a letra-frequentemente exibida nos gráficos de casos dos anos 80, que imitam as capas do álbum Club Club-enquanto as músicas se materializaram quando os músicos se reuniram no estúdio.

É claro que há algo a ser dito para esse tipo de alquimia mágica em uma banda pop. O próprio Nome Culture Club é uma referência à sua maquiagem incomumente diversa – um vocalista líder irlandês gay; um baixista britânico da Jamaica negra (Mikey Craig); um guitarrista loiro inglês (Roy Hay); e um baterista judeu de um fundo punk (Jon Moss).

Talvez uma das razões pelas quais os quatro membros sejam entrevistados separadamente é que, embora “demorassem algum tempo” em vez de terminar oficialmente em 1986 (e continuaram a fazer uma turnê por três décadas, além de perseguir seus próprios projetos), até que ponto a grande personalidade de George e o olhar transgressivo permanecem mais um dos seus companheiros de banda e a própria música – até o seu próprio talento vocal.

As filmagens do videoclipe se filmam para “Karma Chameleon” em um barco rio Mississippi, com Mikey, Roy e Jon parando desconfortáveis ​​na Faridade do Sentro do Século XIX, fala muito sobre a divisão. Mais tarde, mais de um vídeo maluco para uma balada rara, “Erro nº 3”, que George descreve como “o auge do nosso excesso”, observa Hay: “Éramos como as pequenas coisas de George”. Mas é difícil considerar George insensível quando ele olha para trás através de uma lente tão humorística. “Sim, acho que os outros três sentiram como se tivessem sido arrastados para um circo gay”, diz ele com uma risada.

Há muito humor também em pensamentos individuais sobre seu maior mas mais esportivo. “Acho que perdemos muita credibilidade com ‘Karma Chameleon'”, diz Roy. “Mas é o que somos lembrados.” Acrescenta George: “Eles dizem que foi o prego em nosso caixão fresco. Mas nunca fomos legais! Essa música foi para o número 1 e ficou lá por semanas. Torturou a todos.”

George reconhece seu papel dominante, mas ri de qualquer frustração que os outros membros possam ter sentido. Ele parece um narcisista agradável e frequentemente muito engraçado, com uma faixa de diva e uma vantagem afiada sem desculpas quando desafiada. Isso não quer dizer que sua voz com alma e aparência que chama a atenção não foram os ingredientes cruciais no avanço da banda em 1982 com o single inflado do reggae “Você realmente quer me machucar”. E nenhum dos colegas de banda de George nega que ele era o diretor de sua fama.

É divertido aprender como a jovem classe trabalhadora George O’Dowd se transformou em Fabulous Boy George, um jogo em clubes como Billy e The Blitz, passando de um pintinho loiro punk aos 16 ou 17 anos para o arrasto total em seis meses. A ascensão de David Bowie e Marc Bolan foi formativa, e ele fala sobre a descoberta da maquiagem como uma libertação, inspirando-se em Siouxsie Sioux, poli-estireno de raios-X Spex e Ari Up das fendas para os dreadlocks em cascata.

Com seus chapéus de abas largas, maquiagem dramática e muumuus Technicolor, George não pôde deixar de se tornar o ponto focal, e enquanto a imprensa dançava principalmente em torno do tópico de sua sexualidade a princípio, ele foi desprezado de tentativas de identificar um ponto de vista político em sua personalidade androgyna. Em uma entrevista de arquivo desde os primeiros dias, ele diz que eles não estavam tentando dizer nada com sua música ou moda.

De certa forma, isso também reflete o documento de Ellwood, que aborda a representação LGBTQ, a homofobia e a hipocrisia, mas o faz com muito pouco contexto ou perspectiva abrangente para ser esclarecedor. Parece bizarro, por exemplo, que um filme que pretendia lidar com esses assuntos na primeira metade dos anos 80 não mostra curiosidade sobre como a crise da Aids pode ter se alimentado de reações negativas.

A banda havia chegado ao seu zênite, com multidões do tamanho da BeatleMania os cumprimentando na Austrália e no Canadá, e um sucesso significativo quebrando o mercado americano. Mas os EUA são onde o sentimento anti-gay reuniu Steam após o discurso de aceitação de George em 1984 Grammy Awards, quando o Culture Club venceu o melhor novo artista: “Obrigado, América. Você tem gosto, estilo e conhece uma boa drag queen quando vê um”.

Parece inconcebível 40 anos depois (ou, se não fosse pelo neoconservatismo raivoso da América) que George se referindo a si mesmo como uma drag queen poderia desencadear pérolas escandalizadas. Mas ele diz que ficou mais divertido do que horrorizado quando a família Mob começou a realizar protestos anti-LGBTQ fora dos locais de concertos.

Moss oferece uma assumindo um drenagem quando ele relata conversando com um fã do Kansas que repetiu um dos slogans homofóbicos mais usados ​​e ofensivos, “Deus odeia brindes”. Quando Moss perguntou à mesma pessoa: “Você vem ao show?” Eles disseram: “Ah, sim, nós amamos o garoto George”. Em uma aparição em Carson, George aponta a ironia de ser considerado controverso em um país que tinha Liberace.

O tópico mais íntimo do filme diz respeito à relação de George e Jon. George diz que foi “amor à primeira vista”, enquanto Moss, que nunca havia se envolvido romanticamente com um homem, confessa ser “absolutamente apaixonado”, simultaneamente confuso e animado. Craig relata suas dúvidas sobre o relacionamento deles potencialmente desestabilizando a banda. Mas quando ele expressou suas preocupações, Moss disse que era tarde demais, pois eles já haviam dormido juntos.

“Nós éramos John e Yoko da banda por um tempo”, comenta George sobre o ressentimento dos outros dois membros. Mas, embora as demonstrações públicas de afeto tenham sido a norma entre eles no início, que pararam assim que tiveram seu primeiro golpe. Cresceram preocupações de que o “segredo” de seu relacionamento exposto poderia ter um efeito ruinoso na banda. Mas o documento é inconclusivo sobre o grau em que a homofobia levou a reação ou fatorada em críticas negativas do terceiro álbum do Culture Club,, Acordando com a casa em chamas.

(Eu morava em Londres durante esses anos e tenho que admitir que sempre assumi a sexualidade de George e seu relacionamento com Jon – um importante barco de sonho gay na época – eram conhecimento comum.)

Há momentos comoventes em que Moss relembra o relacionamento (“foi realmente o amor adequado”) e compartilha o processo doloroso de sair dele para sua autopreservação, enquanto George transmite uma visão mais equívoca, embora com tristeza. Um dos principais fatores que contribuem para o seu fim parece ter sido a dependência de drogas de George, se formando de ervas daninhas a heroína em questão de semanas.

O médico é franco sobre o período sombrio e o comportamento irregular de George quando ele começou a sair e a ser desperdiçado com o colega da britânica dos anos 80, Marilyn. O uso de drogas de George se tornou forragem tablóide, com Rupert Murdoch’s O sol Prevendo que ele estaria morto antes do fim do ano.

Craig e Hay se sentiram magoados no momento em que foram excluídos, enquanto George e Jon (e Marilyn) foram convidados a participar da gravação All-Star do single de Band Aid número 1 de Bob Geldof, “Eles sabem que é Natal?” E todos os outros três membros se arrependem pela indecisão de George, custando ao grupo A na programação para o histórico concerto da Maratona Live Aid no estádio de Londres em Wembley.

George procurou tratamento depois que vários amigos morreram de overdoses – incluindo uma na mansão Hampstead do Singer Club Club – e agora está limpo há mais de uma década. Ele está contrito com o papel que seu vício em drogas desempenhou na devolução da banda? Talvez um pouco, embora em seu jogador de veludo azul de grande porte e Liz Taylor Cleopatra Eye Makeup, ele aparece principalmente como um patrimônio encantador, sem muito uso para culpa. Isso fez dele uma ótima estrela pop, provavelmente um namorado difícil e não o mais igualitário dos membros da banda.

Ellwood dá ao Culture Club e seu líder colorido uma saudação afetuosa que deve agradar os fãs, mesmo que, ao contrário do Doc Doc mais franco do diretor, Doc, Doc, O go-gosela geralmente escolhe a diplomacia sobre um mergulho profundo.